Paris, le 2 mai 2026

Hier, 1er mai à 19h30, pas très loin de chez moi, je découvre ce spectacle joué à la Comédie Saint-Michel. C’est dans ces petits théâtres parisiens que la proximité avec l’artiste devient presque hypnotique, oui, hypnotique, à condition que l’art soit esquis. Et ici, il l’est pleinement. C’est ça, Paris : dans un petit théâtre, on peut encore découvrir une merveille.

Le spectacle d’Etcha Dvornik commence comme un stand-up : une femme parle, simplement, avec cette sobriété des gens qui n’ont pas besoin d’en faire trop pour capter l’attention. Puis soudain quelque chose bascule. Le corps prend le relais des mots. La scène, minuscule quelques secondes plus tôt, semble s’agrandir autour d’elle et avec elle. La comédienne ne se contente plus d’occuper l’espace : elle le plie à son état intérieur.

L’accent indefinissable de l’actrice, ses lèvres rouges dans un visage presque immobile, donnent à sa présence quelque chose d’à la fois fragile et souverain.

La parole est mesurée, juste, sobre, mais le mouvement qui l’accompagne est d’une précision bouleversante. Elle raconte la naissance de son amour, vingt-cinq ans auparavant, et à peine son bras se soulève-t-il qu’on sent déjà l’élan du désir. Le corps devance la confession. Une rotation légère du bassin, un sourire retenu, une marche presque aérienne, et toute la salle comprend avant même les mots : elle aime.

Puis tout change. Le souffle ralentit. Les épaules tombent imperceptiblement. Une main reste suspendue dans le vide comme si quelqu’un venait de la lâcher. La joie est remplacée par cette détresse particulière des passions asymétriques, quand une femme attend un appel qui ne vient pas et finit par construire sa vie entière autour de cette absence.

Etcha Dvornik ne joue pas la souffrance : elle la laisse traverser son corps. C’est ce qui rend la chorégraphie si troublante. Chaque geste semble naître d’une nécessité intérieure et non d’une volonté esthétique. On a parfois l’impression d’assister non pas à une représentation, mais à une pensée qui cherche désespérément une forme humaine.

C’est le corps qui raconte : l’attraction, la passion, la violence, la soumission, l’abandon, la déchéance et la solitude de cette femme. La représentation, d’une audace rare, déploie une sensualité bouleversante ; le spectacle est d’ailleurs interdit aux moins de 18 ans.

La chorégraphie devient alors extraordinairement expressive. Le rythme des mouvements, les voix off, la musique, les silences mêmes, tout paraît accordé comme une respiration unique. On s’identifie à ce chagrin d’amour désarmant, à cette obéissance aveugle et obsessionnelle, qu’une femme reconnaîtra peut-être plus immédiatement.

Et soudain surgit une chanson en langue étrangère. Les paroles ne sont pas traduites, mais cela n’a aucune importance. Le corps traduit avant la langue. Dans cette musique venue d’ailleurs, il y a toute une mémoire déplacée : la famille, les mères, les guerres intérieures, les fidélités impossibles.

On n’a pas besoin d’explications psychologiques. Par cette phrase de la mère — « Le bonheur, c’est l’homme » — on sent instinctivement, à travers ce qui sort de sa bouche, que le fait d’être avec un homme constitue l’horizon d’une vie rêvée. Peut-être qu’une tradition issue de sa Slovénie natale, à la frontière de l’Europe centrale et des Balkans, aux confins du pays de Roméo et Juliette, a sacralisé l’amour pour un homme au point qu’il puisse tout emporter sur son passage : la raison, l’orgueil, jusqu’à la liberté même.

C’est sans doute là que le spectacle devient plus profond encore. Car il ne parle pas seulement d’amour ; il parle aussi du déracinement. De ce que signifie arriver à Paris avec une langue, une histoire et une douleur que personne autour de soi ne partage vraiment. Quand Etcha Dvornik évoque son exil, elle danse contre les murs de la scène comme si ceux-ci rétrécissaient autour d’elle. Son corps se replie, glisse, se froisse presque comme une feuille d’automne poussée par un vent trop fort. À cet instant, on ne voit plus une danseuse : on voit une femme déplacée d’elle-même, une étrangère cherchant un lieu où tomber sans se briser.

Cette dimension donne au spectacle une portée presque philosophique. Que cherche-t-on réellement dans l’amour ? Une personne ? Ou bien une terre intérieure où enfin appartenir ? Peut-être aimons-nous parfois moins un être que la promesse de ne plus être seuls au monde.

Vient alors l’histoire familiale, en arrière-plan, comme une fatalité silencieuse. L’artiste, intellectuelle lucide, analyse ce qui lui arrive avec une intelligence presque clinique, mais sans pouvoir s’extraire du tourbillon de ses sentiments. Rien ne lui vient en aide, sauf la voix de cet homme après deux mois d’absence, après des appels laissés sans réponse, jusqu’à cet: “j’ai été déprimé” et aussitôt tout recommence. Comme si rien n’avait eu lieu. Comme si l’amour abolissait jusqu’à la mémoire de la douleur.

« Le bonheur, c’est un homme », disait sa mère, qui n’a pas pu sauver le sien du suicide. Alors la jeune venue à Paris croit devoir sauver cet homme à son tour, pour qu’il ne connaisse pas le même destin, pour qu’il ne disparaisse pas à son tour dans les eaux de la Riviera. « Mon père, je ne l’ai pas sauvé. Mais lui, oui. Lui, je vais le sauver. » Et dans cette phrase se noue toute la tragédie du spectacle : l’amour devient moins un sentiment qu’une mission héritée.

Cette femme finira pourtant par comprendre l’emprise en écrivant. L’amour est un trauma ; on ne comprend jamais vraiment ce qui nous arrive quand on s’y jette décérébré, comme vers une oasis après une longue marche dans le désert. C’est traumatique, et comme tout trauma, on ne réalise ce qui nous arrive qu’après coup.

Et c’est peut-être cela que montre magnifiquement Etcha Dvornik : qu’au fond, certaines passions ne cherchent pas à rendre heureux. Elles cherchent seulement à donner un sens à nos blessures.

Création et interprétation d’Etcha Dvornik.

L’Homme fatal comédie Saint-Michel, Paris 5e, du 6 mars au 3 juillet 2026

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